#Arte: L’arte della resistenza – 3 artiste che hanno sfidato tutto per creare

Se guardiamo nel mondo dell’arte, non tutte le opere nascono con lo scopo di decorare. Alcune sono così cariche di messaggi e significati che sembrano vive, urlano senza emettere suono e soprattutto attraversano i secoli rimanendo sempre attuali.

La resistenza ha poco a che vedere con la sopravvivenza. Resistere, nell’arte, vuol dire trasformare il dolore della ferita, l’ingiustizia, in un’opera di estrema bellezza che parli alla collettività e lo faccia in modo così chiaro e diretto, da rimanere a lungo nella memoria di chiunque, anche di chi non ha vissuto certi periodi storici.

Parliamo oggi di tre donne che hanno fatto dell’arte un modo per testimoniare il male, trasformandolo in bene e così guarendo.

  
Artemisia Gentileschi: la luce violenta della verità

Nata a Roma nel 1593, e figlia del pittore Orazio Gentileschi, fin da piccola Artemisia dimostra un talento straordinario capace di superare quello dei suoi colleghi uomini che avevano il monopolio della fama e delle commissioni. 
Per sostenerla nell’arte e continuare ad accrescere le sue doti artistiche, il padre la avvicina ad Agostino Tassi, suo collaboratore, che diventa ben presto guida e mentore della ragazza. Agostino, però, sviluppa un’attrazione per lei e, quando lo rifiuta più volte e sempre in modo fermo le sue avances, lui la violenta. Stiamo nel 1611, la Gentileschi non rimane zitta, e anzi porta al processo pubblico Agostino Tassi.
Per una donna, soprattutto all’epoca, dopo il danno vi è sempre la beffa perché sono rare le volte in cui si viene credute subito. Era così soprattutto all’inizio del Seicento, quando Artemisia viene sottoposta a vere e proprie torture e umiliazioni fisiche per provare la verità della sua testimonianza. Lei non demorde e il 29 novembre 1612 Agostino Tassi viene condannato a pagarle una sanzione. Ma ancora, altre beffe, perché all’epoca, soprattutto a Roma, la gran parte della popolazione ha continuato a credere alle parole di lui, da sempre dichiaratosi innocente.
Tutto questo dolore la Gentileschi lo ha messo nelle sue opere, soprattutto in “Giuditta che decapita Oleferne” (1612-1613), e “Giuditta con la sua ancella” (1618-1619) dove le donne hanno uno sguardo deciso, duro, dimostrandosi così forti, attive. Mai vittime. Così non solo viene ricordata ai nostri giorni come una delle maggiori pittrici barocche, ma anche come simbolo di lotta, giustizia e rinascita.

Käthe Kollwitz: madre, testimone, memoria della guerra

La scultrice e pittrice tedesca Käthe Kollwitz (1867-1945) ha passato tutta la sua vita professionale a mostrare gli ultimi degli ultimi. La sua arte si concentra sulla povertà, il lutto, la maternità e la guerra, tutti temi che lei ha potuto toccare con mano per le esperienze di vita. È stata la prima donna a essere ammessa all’Accademia delle Arti Prussiane per poi farsi conoscere rapidamente in tutto il mondo per opere che non guardavano all’estetica, quanto alla rappresentazione più fedele possibile alla realtà. Oltre al talento, era grande in lei anche l’empatia. 
Nel 1914 perde il figlio Peter durante una battaglia, e in lei si sviluppano maggiormente gli ideali pacifisti e socialisti, tanto da risultare un vero e proprio nemico anni dopo, quando la Germania nazista prende potere. Grazie alla sua fama, però, scampa ai campi di concentramento.
Se è vero che la verità non è né bella, né brutta, è solo la verità, la Kollwitz ha saputo mostrarla bene, rendendo così chiaro il dolore che ai tempi apparteneva a tutti, da farcelo sentire ancora adesso, quando guardiamo le sue opere.

Frida Kahlo: dolore, identità e rivoluzione sul corpo

Come spiegato nell’articolo riguardante il simbolismo dello specchio, i numerosi autoritratti di Frida Kahlo espongono le sue identità, divenendo così delle confessioni. 
All’età di diciotto anni sopravvive a un incidente stradale che la costringe a lungo immobile in un letto, dove lei continua a dipingere, aiutata da uno specchio sul soffitto. La vita non è stata poi più tranquilla: anche se ripresasi, il dolore fisico non l’ha mai abbandonata, divenendo cronico. Ha amato tantissimo Diego Rivera, anche se questa relazione l’ha portata a essere continuamente tradita e, a causa dell’incidente, non le è mai stato possibile portare a termine una gravidanza, suo grande rimpianto.
Eppure Frida ha dipinto quello più le ha provocato più dolore: se stessa e quello che aveva al suo interno. Il suo corpo, il suo volto. Non si è mai piegata, non si è mai nascosta, si è mostrata senza censure: con sangue, spine ma anche uccelli e abiti colorati… Ogni quadro mostra il suo sguardo fiero che non vuole pietà, solo riconoscersi come donna emancipata che non è mai stata al volere di un uomo. 
Anche grandissima appassionata politica, la Kahlo con il suo vissuto è stata un esempio per tutte le donne che hanno poi potuto rivendicare una loro posizione sociale.